Córdoba, República Argentina. Miércoles 20 de noviembre de 1996.
FOLKLORE Y ROCK
Alianza para el progreso
En un estudio de grabación neoyorquino, Mercedes Sosa se encuentra a las órdenes del técnico Joe Blaney, el mismo que retrató lo mejor de la obra ochentista de Charly García y el responsable _entre otras cosas_ del disco Main Offender, de Keith Richards. La Negra acepta sus sugerencias como si hablaran el mismo idioma.
La escena corresponde a un proceso que redundará en la edición de un disco de canciones de Charly García cantadas por Sosa y deja de lado cualquier interpretación disparatada, mientras reivindica la idea de que la música es un lenguaje universal, sin exclusivos idiolectos.
Al menos así lo entendieron desde siempre Mercedes y el "bigote bicolor": pese a pertenecer a dos guetos musicales teóricamente enfrentados, siempre se mostraron respetuosos el uno con el otro. En la década pasada, Sosa & García enfrentaron todo tipo de prejuicios y se animaron a llevar adelante una relación creativa que, en sus comienzos, se limitó a compartir escenarios y concluye con la edición de un registro que promete ser histórico.
Ahora bien, el caso de este vínculo no es el único que habla de la profunda identificación entre ambos bandos. En la actualidad, Jaime Torres está en las bateas con una apuesta innovadora pensada y producida por Gustavo Santaolalla, músico establecido en Los Angeles que puede considerarse "uno de los principales impulsores" de la asociación entre rock y folklore. Esta visión ilimitada de Santaolalla tiene su origen en los últimos años '60, cuando Arco Iris irrumpió en el por entonces incipiente panorama del rock argentino. Fue la primer banda que se permitió esa mixtura, sin contradecir las exigencias rítmicas de ambos géneros.
Luego de la recuperación democrática, en un contexto político que impulsaba la unidad latinoamericana y promovía la llegada de bandas de países vecinos como Quilapayún y Los Jaivas, Santaolalla no mermó esfuerzos para demostrar que el músico tiene que buscar su identidad más allá de las convicciones estéticas que abrace. Así fue que produjo la investigación que León Gieco desarrolló en De Ushuaia a La Quiaca, una obra que contempla las manifestaciones rítmicas de cada región de nuestro país, retratándolas con celo antropológico.
La diversidad y la mixturación que embargan a los años `90, no llegaron a restarle legitimidad al trabajo que el productor más prolífico del pop latinoamericano realizó para el trío Divididos en el controvertido y exitoso La era de la boludez.
Por el contrario, la recreación a "lo Hendrix" de El arriero, de Atahualpa Yupanqui, y el giro autóctono que los ex-Sumo tomaron en gran parte de la obra (por ejemplo, en la zamba Huelga de amores) entusiasmó a los folkloristas y dejó mal parados a todos aquellos que se aferraban a la paralizante dicotomía "tradicionales versus innovadores".
Una fusión mágica
"Al Mono Villegas le gustaba nuestra música. Y nosotros moríamos por él. Por su lucidez, su locura creativa, su talento musical. Estábamos ligados por algo mágico".
La referencia corresponde al saxofonista Ara Tokatlián, quien reunió a Arco Iris en los primeros '90, al margen de las iniciativas de Santaolalla. La confesión resume de alguna manera el sentimiento hacia los referentes de nuestra música tradicional de los jóvenes que, desde la segunda mitad de los '70, se animaron a asimilar las innovaciones jazzísticas de Keith Jarret o Chick Corea. Cabe aclarar que el jazz estaba homologado al rock, por cuanto a nivel internacional los exponentes de este último género estaban sumidos a un vértigo experimental que les permitía anexar expresiones rítmicas variadas.
En Argentina, los adolescentes jazzeros (haciéndose eco de esa tendencia globalizante) decidieron experimentar con el tango y el folklore, siguiendo el camino iniciado por el incansable Lito Nebbia. ¿Por qué? Según Lito Vitale, paradigmático en el arte de mixturar, porque "para crecer en libertad debemos derribar las fronteras de la música y estimular en los jóvenes una actitud artística frente a la vida, para atacar uno de los males de nuestro tiempo: la deshumanización".
"Es necesario _prosigue el ex miembro de MIA_ retomar la búsqueda artística que comenzaron Spinetta con Almendra, con temas que recogían las voces ciudadanas a través del bandoneón; Arco Iris, Aquelarre o Litto Nebbia, siempre dispuestos a hacerse eco de expresiones urbanas o folklóricas. El rock se tomaba en aquellos años esas libertades, era más atrevido. Hoy, apenas conserva cierta irreverencia, pero no llega a ser audaz artísticamente".
Hasta aquí enumeramos casos en los que rockeros hicieron concesiones en favor del folklore. Pero también se dió _y se da_ el caso inverso. Folkloristas que tienen una actitud de rock en escena e incorporan variantes rítmicas de avanzada para que su mensaje se torne más intenso. El artista que más se acerca es Peteco Carabajal, a cuyos actos en vivo no sólo concurren los amantes de la chacarera sino también los seguidores de bandas como King Crimson o Van Der Graaf Generator, porque el "Peteco" se permite realizar en vivo una apuesta lúdica con patrones rítmicos ajenos a todo convencionalismo. Su carácter de "mente abierta" del folklore le permitió al ex miembro de los Músicos Populares Argentinos (agrupación que inyectó ideas de renovación en el folklore de la mano de Jacinto Piedra, Verónica Condomi, Mono Inzarrualde y Chango Farías Gómez) prestar su arte para el último disco de Pappo, otro que no comulga con el separatismo rockero.
Redondeando porqué el folklore y el rock siempre fueron de la mano se puede argumentar que, más allá de que _hoy_ cualquier iniciativa ecléctica es sospechada de exótica o new age, ambos géneros siempre intentaron subvertir un discurso musical hegemónico, tradicionalmente abastecido de los ritmos de moda foráneos y descomprometidos.
Germán Arrascaeta
